La médiation virtuelle au Musée ambulant : les mots pour définir une approche

Tirée du document « La médiation culturelle et ses mots-clés » (Fourcade 2014), commandé par le Groupe québécois de recherche sur la médiation culturelle (GRMC devenu Observatoire sur les médiations culturelles depuis 2018), la définition suivante permet de saisir la portée du concept :

Entre démocratisation et démocratie culturelles, la médiation culturelle combine plusieurs objectifs : donner accès et rendre accessible la culture aux publics les plus larges, valoriser la diversité des expressions et des formes de création, encourager la participation citoyenne, favoriser la construction de liens au sein des collectivités, contribuer à l’épanouissement personnel des individus et au développement d’un sens communautaire. (Fourcade 2014, 6)

Cette définition, large et consensuelle, est fort utile pour décrire la pluralité des approches. Au Musée ambulant, si nous choisissons d’employer le vocable médiation sans en spécifier le caractère « culturel » (selon nous implicite), nous situons résolument nos actions au sein de la médiation culturelle. Bien qu’elle soit parfois qualifiée d’« agrégat flou » (Montoya 2009, 200), de « champ de débat mouvant » (Casemajor, Dubé, et Lamoureux 2017, 10) ou de concept pouvant être envisagé comme « dépassé, fragmenté ou inexistant » (Bordeaux 2016, 57), la médiation culturelle demeure un pôle de référence professionnel et théorique auquel nous souhaitons activement contribuer.

Parmi la multiplicité des postures et des approches en médiation culturelle, nous envisageons nos pratiques, au-delà d’une métaphore de passage, d’entre-deux ou de simple liant (Bordeaux et Caillet 2013; Gellereau 2018; Fraysse 2019), comme visant la production d’espaces de co-construction et de partage de sens. En effet, pour le Musée ambulant, la médiation désigne un « processus de rencontre visant à construire du commun partagé » (Gellereau 2018, 69). Ainsi, notre champ d’action est bien le milieu de l’art (majoritairement les arts visuels et médiatiques), mais nous souhaitons éviter une certaine association avec la notion de « médiation artistique » qui se fonde sur l’idée de la transmission (d’un discours sur l’œuvre, par exemple). Définie par Lacerte (2007), la médiation artistique opère un « travail de liaison ou de passeur entre deux parties, une médiation d’ordre herméneutique, par laquelle est réalisé un travail d’interprétation, de transmission d’une connaissance et d’une esthétique attribuée à une œuvre » (Lacerte 2007, 3). Cette définition reste, selon nous, collée à une logique d’intermédiaire qui ne nous semble pas suffisamment décrire le caractère génératif et participatif des rencontres que nous tentons de provoquer avec les œuvres, mais aussi au sein de la communauté d’expérience qui se tisse dans nos activités de groupe.

Nécessairement critique et engagée envers l’émancipation des publics composés de « véritables [actrices ou] acteurs culturels » (Culture pour tous 2021, § 1), notre vision de la médiation est guidée par le double idéal de démocratisation culturelle et de démocratie culturelle. Entre ces dernières, comme plusieurs observatrices et observateurs (Lafortune 2013; Saez 2018; Casemajor, Dubé, et Lamoureux 2017), nous percevons bien une certaine tension, mais elle ne nous semble pas problématique, tant et aussi longtemps que nos pratiques sont empreintes d’une radicale égalité qui favorise l’empowerment (émancipation). Cet idéal égalitaire se nourrit des réflexions de Jacques Rancière qui, à travers la figure du pédagogue Jacotot dans Le maître ignorant (Rancière 1987), articule l’émancipation intellectuelle comme étant fondée sur la présupposition de la capacité de chacun.e « à comprendre et sur la possibilité de prendre à revers les savoirs et les réels, de changer les modes de présentation du sensible et de l’intelligible » (Auray et Bulle 2016, § 21). En effet, cette posture est la pierre angulaire du rapport que nous tentons de développer avec les participant.e.s à nos activités : chacun.e de nous possède la sensibilité et l’intelligence de vivre une expérience enrichissante et transformatrice dans la rencontre avec des œuvres d’art. Nous nous inspirons ici de plusieurs idées mises de l’avant par le courant de la pédagogie critique, certaines approches de philosophie avec les enfants et l’approche développée par l’organisme montréalais Exeko (Beauchemin et al. 2014), qui propose le concept de médiation intellectuelle pour désigner la création de :

situations égalitaires de réflexion collective et de partage de connaissances. Ces situations mettent en place des cadres de co-construction de la pensée critique et de l’analyse sociale là où les conditions peuvent en inhiber l’exercice. Cette pratique présume de l’égalité des intelligences et répond au besoin universel de penser et d’être reconnu comme un être pensant. Elle consiste en un ensemble de stratégies qui facilitent l’appropriation et la création d’outils réflexifs en vue de favoriser l’émancipation intellectuelle des individus. (Exeko 2015, 1)

En effet, pour le Musée ambulant, si l’art est une expérience à la portée de toutes et tous, peu importe l’âge ou le degré de familiarité avec l’art contemporain, par exemple, certaines barrières en limitent l’accès. Ainsi, en tant qu’organisme à but non-lucratif dont la mission culturelle et éducative vise à amener l’art vers ses publics, là où ils se trouvent, c’est véritablement l’accessibilité qui est au cœur de l’action. Depuis 2017, nous sillonnons les routes du Québec pour faire tomber ces barrières, notamment géographiques, physiques et socioéconomiques, en adaptant nos propositions à différents milieux de vie (écoles, camps de jour, résidences pour aîné.e.s, centres de la petite enfance, parcs, etc.) et aux besoins du public (qu’il soit tout-petit, vivant avec un handicap ou une mobilité réduite, etc.). Des expositions, conçues à partir d’œuvres de notre petite collection (de 23 œuvres, à l’automne 2020) ou empruntées directement aux artistes ou à des institutions, sont ainsi élaborées sur mesure pour chacun de ces événements ou tournées. Toutes s’insèrent à l’intérieur d’activités de médiation en petits ou grands groupes, menées par des médiatrices professionnelles, qui viennent contribuer à produire (Bordeaux et Caillet, 2013) des espaces de partage égalitaire autour des œuvres. Les médiatrices n’y cherchent pas à transmettre de l’information ou un discours spécifique sur l’œuvre, mais elles travaillent plutôt à activer un engagement riche et incarné avec les propositions artistiques présentées.

Axée sur le dialogue, notre approche de médiation s’appuie donc fortement sur ce rapport humain et la qualité de ces dynamiques d’échange, où, encore une fois, la posture d’égalité des compétences dans l’approche de l’œuvre est une clé importante pour stimuler le caractère inclusif et émancipateur de l’expérience vécue. Dans cette expérience, la médiatrice :

performe un rapport à l’œuvre et soutient les participantes à exercer ce rapport également, exercer cette activité qui nous rend plus sensibles à l’existence pleine des choses, plus sensibles aussi à notre rapport incorporé et subjectif à ces choses, à la rencontre dans l’ici/maintenant avec l’objet. (Lemaire 2015, 218)

Nous abordons donc l’événement de la rencontre avec des œuvres d’art comme une expérience qui se vit avec le corps et tous les sens. Déplaçant la centralité du regard comme unique mode d’appréhension de l’œuvre, cherchant également à le ralentir, nous tentons de nous attarder à la manière dont notre compréhension et notre perception d’une œuvre sont enrichies d’une attention portée à d’autres aspects du vécu. En ce sens, nous envisageons cette expérience comme profondément incarnée, ce qui transparait dans nos stratégies de médiation qui réservent une place à l’expression et à l’exploration de ces dimensions sensorielles, du rapport au corps et du mouvement dans l’espace de rencontre avec les œuvres. Enfin, en abordant la création artistique comme l’une des meilleures manières de faire résonner les œuvres d’art, d’entrer en contact avec leur matérialité ou la démarche et les choix artistiques qui les déterminent, toutes les activités du Musée ambulant comportent une invitation, en lien avec les œuvres présentées, à expérimenter et créer pour poursuivre l’exploration des œuvres présentées.

Engagé dans la diffusion de pratiques québécoises en art actuel, c’est-à-dire d’artistes qui vivent et créent en contemporanéité avec notre époque et dont la pratique est tournée vers l’exploration, le Musée ambulant soutient la production (entre autres par la commande d’œuvre), acquiert, conserve et présente des pratiques diversifiées. Ces pratiques sont majoritairement celles d’artistes professionnel.le.s (bien que des œuvres d’art populaire ou d’artisanat soient parfois incluses dans des propositions qui créent des ponts entre les pratiques, afin de briser la hiérarchie et un certain écart de valeurs, notamment entre les arts visuels et les métiers d’art), incluant majoritairement celles et ceux issu.e.s de groupes sous-représentés au sein des collections institutionnelles. Sans être doté du statut d’une institution muséale, le Musée ambulant fait toutefois de sa mission d’éducation et d’accessibilité le moteur de ses actions, qui incluent également des initiatives d’innovation et de transfert de connaissances, notamment par rapport à ses pratiques et son approche de la médiation. Avec son architecture mobile, son esthétique festive vise à créer une bulle en vue d’expérimenter l’art comme un jeu, « une fête où tout le monde est invité » aimons-nous répéter, afin de décomplexer le rapport aux œuvres d’art, à la pratique artistique et, de manière plus globale, à l’art actuel et à la culture. En faisant du nomadisme son mode d’être, il tente ainsi de redéfinir ce qu’un musée peut être, entre autres en le sortant de l’institution. En effet, puisque ses activités s’ancrent hors des murs des lieux traditionnellement associés à l’expérience de l’art et que la médiation n’y est pas envisagée comme une simple stratégie visant à mettre le public en relation avec ses contenus et ses collections, mais bien comme l’essence même de l’expérience proposée, le terme de médiation muséale colle difficilement aux actions du Musée ambulant.

Ces premières remarques visent à mieux préciser le sens particulier que nous donnons au mot « médiation », tout en pointant ce que l’usage des nouvelles technologies vient soulever comme défi pour notre approche. Contrairement à ce qu’observent des chercheuses et chercheurs qui se penchent sur le virage numérique des institutions, l’approche du Musée ambulant ne nous semble pas nécessiter d’adaptation ou de transformation pour passer d’une « logique “vitrine” à une logique “relationnelle” et cocréative » (Cambone 2019, 11) ou « d’un modèle vertical où les experts transmettent le savoir à des publics et où les contenus — savoirs et collections — occupent une place centrale […] vers un modèle horizontal et en rhizome où règnent l’accessibilité physique, intellectuelle et sensitive, la co-construction, le dialogue et où le visiteur et ses besoins occupent une place centrale » (Chevry Pébayle 2019, 234–235). Toutefois, alors que ses stratégies de médiation s’incarnent dans la figure de la médiatrice qui nourrit le dialogue et accompagne, soutient, enrichit la découverte des œuvres, les questions de présence et d’espace, pour ouvrir, développer et partager les rencontres, elles, changent drastiquement de configuration en se numérisant. En fait, dans l’utilisation d’une plateforme de visioconférence comme contexte des activités de médiation, il serait plus exact de dire qu’elles se virtualisent, faisant passer le mode de présence physique à la téléprésence et en générant un espace structuré et contraint par les fonctionnalités et affordances de la plateforme. Comme dans beaucoup d’expériences virtuelles, même les plus immersives, cet espace se double du contexte physique, matériel et technologique « réel » qui soutient l’expérience numérique. Comme nous l’aborderons plus loin, cet autre espace physique demeure bien présent et détermine aussi grandement la qualité de l’expérience. En qualifiant l’expérimentation menée au printemps de médiation virtuelle, nous décrivons donc le nouveau type de présence et d’espace principalement investi pour ces rencontres — la visioconférence synchrone, un qualificatif qui renvoie davantage au contexte de la médiation qu’à sa nature.

En présence virtuelle, donc, et dans un nouvel espace de rencontre qui se constitue à l’intérieur des outils numériques choisis, ce projet pilote de médiation de pratiques en art numérique avec des adolescent.e.s en confinement a amené notre équipe à se pencher sur la qualité ou même la possibilité de véritables rencontres qui, comme nous l’avons décrit plus tôt, sont la visée de l’approche de médiation du Musée ambulant. Après ce nécessaire détour qui permet de mieux envisager comment notre équipe se saisit du concept de médiation dans le cadre de sa pratique, je reviendrai plus en détail sur l’expérimentation menée au printemps dernier.

Un projet pilote pour les adolescent.e.s bousculé par le confinement

Soutenu par le Conseil des arts et lettres du Québec, un projet pilote visant à développer une première tournée du Musée ambulant spécifiquement conçue pour le public adolescent devait se déployer dans différentes écoles secondaires et écoles aux adultes de la région de Québec et Chaudière-Appalaches au printemps 2020. Cette proposition comprenait la visite interactive d’une exposition de cinq œuvres d’art actuel issues de la collection du Musée ambulant, permettant notamment d’aborder les thèmes de l’identité et du métissage, et la réalisation d’un atelier de création collective en textile explorant le rapport aux métiers d’art et aux pratiques artisanales comme vecteur d’un rapport à la tradition, à l’identité et à la technologie. Nécessitant de nouvelles innovations techniques pour s’insérer dans le milieu physique et la logistique des écoles secondaires et écoles aux adultes, ce pilote visait également à expérimenter de nouvelles approches en médiation. L’équipe se proposait par exemple de structurer les visites par le développement de concepts-clés émergeant de la discussion avec les participant.e.s, testant l’engagement et l’intérêt des jeunes à jouer ainsi avec des idées de plus en plus abstraites.

Malheureusement, dès la mi-mars 2020, lors de l’annonce de l’état d’urgence sanitaire par le gouvernement du Québec en raison de la première vague de COVID-19, les adolescent.e.s se sont brusquement retrouvé.e.s en confinement avec le reste de leur famille. Anticipant alors un retour en classe en mai, qui ne se concrétisera pas, les jeunes vivaient une situation tout spécialement difficile, avec un grand flou concernant la fin de leur année scolaire et une longue période de flottement avant que ne surviennent de nouvelles directives concernant l’éducation en ligne. Dans ce contexte, notre équipe ressentait l’urgence de proposer, tout particulièrement aux jeunes qu’elle aurait dû rencontrer sur le terrain en avril et mai 2020, la possibilité de vivre une expérience culturelle de groupe malgré le confinement. L’annulation de la tournée, à peine entamée au moment du confinement, aura ainsi fourni un prétexte à la mise sur pied d’une autre proposition, visant toujours les adolescent.e.s, mais repensée de A à Z : un déploiement en ligne, afin de rejoindre les jeunes alors confiné.e.s à la maison pour une période indéterminée. Très rapidement, le projet pilote s’est réorienté vers une série de quatre ateliers hebdomadaires, tenus en visioconférence avec de petits groupes de quatre à six jeunes et une ou deux médiatrices. Ces séances de 45 minutes à une heure se concentraient sur la découverte d’œuvres numériques, encore une fois issues de la collection du Musée ambulant, assorties de la suggestion d’activités de création numérique à poursuivre individuellement entre les séances, en s’appuyant sur des outils numériques (applications mobiles et en ligne) pouvant être rapidement appropriés par les jeunes et réinvestis suite aux activités. Reprenant certaines pistes laissées en plan par la tournée avortée, l’équipe du Musée ambulant a donc élaboré un projet de médiation virtuelle permettant la mise à l’essai de nouveaux outils pour créer des rencontres, les plus riches possible, entre les œuvres et le public, mais aussi entre les participant.e.s et avec les médiatrices.

Évoluant de manière itérative, afin d’inclure les intérêts et contributions des participant.e.s dans la planification du contenu et du déroulement de la séance suivante, ce pilote en médiation virtuelle se voulait également, pour l’équipe du Musée ambulant, une occasion de recherche et de développement, notamment sur les possibles rencontres que peuvent favoriser ce contexte, la manière dont celui-ci force une certaine adaptation de notre approche axée sur le dialogue de groupe autour des œuvres et sur les meilleures pratiques qui viennent soutenir ces rencontres.

De manière plus globale, cette opportunité de concevoir des ateliers en visioconférence et de les mettre à l’essai recèle un potentiel pour la croissance d’activités visant à toucher des publics que le Musée ambulant ne parvient pas encore à rejoindre physiquement. Elle nous permet également de proposer une activité dont la participation se fait sur une base volontaire et « non-supervisée », donc où nous sommes en lien direct avec les jeunes et sans encadrement d’autres adultes (ex. enseignant.e.s ou parents). Alors que les équipements utilisés pour se joindre à la visioconférence variaient grandement (ex. cellulaires, tablettes numériques, ordinateurs portables), en fonction de leur disponibilité à la maison et de l’accès des jeunes à ceux-ci dans un contexte familial de télétravail, l’expérimentation vise aussi à identifier les problèmes et contraintes techniques, logistiques et technologiques qui viennent nuire à l’expérience. Ceci nous permet ensuite de trouver des solutions pour les anticiper, les éviter ou les amoindrir lors de prochains projets en médiation virtuelle.

De plus, bien que des œuvres numériques soient régulièrement présentées dans les activités « physiques » du Musée ambulant, ce pilote en médiation de pratiques en art numérique, auxquelles on accède via l’écran de différents équipements et sur lesquelles on partage via l’espace de la visioconférence, nous offre la chance d’aller vers de nouvelles pratiques artistiques, entre autres en art web et interactif. Par ailleurs, l’adaptation de notre approche de médiation à des œuvres d’art actuel qui s’appuient sur les nouvelles technologies et l’identification des meilleurs contextes et manières d’y accéder — de les rencontrer — sont au cœur de ce que poursuivent activement les autres chantiers d’innovation majeurs au Musée ambulant. Il s’agit de surcroît d’une occasion de tester de nouvelles modalités dans nos activités, par exemple en comparant, par rapport à nos pratiques habituelles, la qualité des échanges en petits groupes (versus grands groupes) et avec une récurrence (versus un événement ponctuel). Enfin, poursuivant le développement et l’adaptation de notre approche de médiation au public adolescent, il est intéressant d’investiguer un contexte où les rapports sociaux sont bien différents que ceux, par exemple, d’un groupe-classe d’une école secondaire.

Les deux médiatrices responsables du projet, moi-même et une autre médiatrice expérimentée du Musée ambulant, adoptant la posture de médiatrices réflexives et un mode de travail collaboratif, nous sommes donc engagées dans une démarche de co-développement qui laisse des traces de son processus. Chaque atelier a en effet été suivi d’un retour écrit puis d’une discussion, elle-aussi en visioconférence, visant à échanger nos impressions sur la qualité des échanges et de l’expérience vécue, les défis rencontrés ainsi que les pistes de solution et d’expérimentation envisagées pour la semaine suivante. Le présent effort de communication, qui résulte de ce projet pilote, a pour objectif de développer non seulement notre compréhension des enjeux sur lesquels nous travaillons, mais aussi d’ouvrir la discussion pour créer de nécessaires ponts entre la pratique et la réflexion scientifique afin de mieux penser la valeur et les enjeux liés à l’utilisation d’outils numériques dans le champ de la médiation.

Il est à noter que ce projet pilote n’a pas été financé par des organismes de recherche et n’a pas été mené dans une démarche encadrée par un certificat éthique. Le consentement des participant.e.s n’a pas été formalisé autrement que par leur consentement verbal. Le consentement écrit des parents ou tutrices et tuteurs a été sollicité pour la participation des jeunes à cette expérimentation en médiation de l’art actuel.

Déroulement du projet de médiation virtuelle

Le projet pilote aura mené à la conception et la réalisation de quatre ateliers axés sur la découverte de différentes œuvres et pratiques artistiques québécoises. Cette série se voulait une occasion d’éveiller les jeunes participant.e.s à l’art numérique, sous ses nombreuses formes, de leur suggérer différents outils de création numérique et de se donner des occasions de réfléchir ensemble aux différents enjeux (esthétiques, technologiques, sociaux, politiques, etc.) évoqués par les œuvres présentées.

Discussion : pistes d’intégration et expérimentations futures

Dans un article à l’intention des professionnel.le.s de la médiation tirée d’une série portant sur la médiation culturelle en confinement, Rouleau (2020) lançait la question suivante : « Pourrait-on envisager la médiation culturelle numérique, territoire de potentialités et de limites, comme un laboratoire pour informer les pratiques de médiation en présentiel ? » (Rouleau 2020, 6). Pour le Musée ambulant, la réponse est un oui enthousiaste. L’espace numérique est déjà un espace investi par les artistes : des œuvres y sont pensées, certaines y vivent exclusivement. Il faut donc nécessairement s’aventurer sur ce terrain pour trouver de nouvelles façons d’entrer en relation avec ce type d’expériences, qui n’est plus si nouveau bien qu’en constante évolution. En effet, nous remarquons un certain décalage entre les pratiques en art actuel connues du grand public et les expérimentations que mènent présentement les artistes, notamment avec le numérique. Nous estimons que c’est en vaste partie un problème d’accessibilité et nos actions, comme organisme, visent justement à diffuser et assurer la médiation de ces pratiques auprès de publics qui autrement pourraient ne jamais les rencontrer. Outre la possibilité de rejoindre de nouveaux publics, donc, les apprentissages tirés de ce pilote nous permettront d’enrichir l’ensemble de nos actions de médiation, que celles-ci soient développées en chair et en os ou à distance.

En résumé, voici les principales observations que ce projet nous amène à considérer :

• – un encadrement et une logistique plus structurés/structurants, par exemple en offrant l’activité en mode scolaire ou en parascolaire;

• – un meilleur contrôle des équipements informatiques employés, par exemple en fournissant la flotte d’équipements et/ou en choisissant des équipements facilement accessibles par tou.te.s les participant.e.s, comme le téléphone intelligent;

• – un plus grand volume d’activités afin de parvenir à véritablement améliorer la pratique, à identifier les meilleurs parcours et à ouvrir des espaces plus participatifs et inclusifs pour les contributions du public;

• – le repérage ou même le développement d’outils numériques qui permettent la cocréation, comme nous le faisons habituellement dans les activités « en chair et en os », afin de favoriser la rencontre, de créer du liant (Trembley 2020);

• – la consultation de travaux professionnels et scientifiques, pour une meilleure compréhension de l’éventail des usages et pour assurer la maitrise des outils utilisés. Ceci inclut potentiellement comment les médiatrices et les participant.e.s se comportent face à ces outils, de même que les résistances et détournements, adaptations et négociations qu’impliquent l’appropriation d’outils numériques et leurs usages (comme le notent Sandri [2016] et Vidal [2014], dans le contexte muséal).

D’ailleurs, suite à l’expérience menée au printemps 2020, notre équipe a décidé de lancer un nouveau projet majeur qui s’appuiera notamment sur la médiation virtuelle en visioconférence pour faire vivre des expériences enrichissantes de découverte artistique et de création dans des classes du primaire et du secondaire. Alors que d’autres projets pilotes viendront explorer l’intégration de ce type de médiation au contexte scolaire, les observations développées dans le cadre de la série d’ateliers avec des adolescent.e.s en confinement nous serviront à développer une proposition stimulante de médiation virtuelle de pratiques en art actuel.

Médiation virtuelle : quelles rencontres possibles ?

Revenant à la question au cœur de notre approche de médiation, est-ce que les activités menées ont bel et bien permis la rencontre et si oui, laquelle ou lesquelles? Cette réflexion, animant la conception de nos activités et nos stratégies de médiation, nous a accompagnées tout au long du processus, alimentant notre désir de susciter l’engagement et le dialogue autour des œuvres.

Pour nous, il semble clair que la rencontre avec des pratiques artistiques et des œuvres numériques a été favorisée par la série d’ateliers. Par exemple, suite à l’écoute de la vidéo Mobiliser de l’artiste Caroline Monnet, les échanges avec un des groupes se sont concentrés sur l’aspect sonore de l’œuvre, dont la trame est la pièce Uja de Tanya Tagaq Gillis. L’intensité de la pièce, aux chants de gorge rapides qui s’intègrent aux sonorités punks, suit la séquence rythmée d’images en mouvement, des extraits d’archives de l’Office national du film remaniés par Monnet. La vidéo se conclut toutefois par une déambulation plus lente d’une jeune femme autochtone dans le Montréal des années 60. Un participant y a noté la dualité entre l’aspect oppressant de la musique, lui évoquant la cacophonie urbaine, et la confiance calme qui émane de la marcheuse, comme imperméable aux bruits ambiants. Une autre participante a quant à elle fait remarqué que l’intensité de la musique était palpable dès les débuts de la vidéo, alors que des images prises en forêt ou dans la rivière se succédaient, ces rythmes lui rappelant plutôt l’aspect dynamique et vivant de la nature. Une troisième participante a alors mentionné que le silence peut lui aussi être oppressant, un sentiment qu’elle a relié à la situation déstabilisante du confinement. Le reste du groupe abondant dans le même sens, pour la médiatrice, ces commentaires ont complètement renouvelé le regard sur l’œuvre de Monnet dont elle n’avait pas pensé discuter de la dimension sonore, l’atelier ayant d’abord été envisagé pour aborder le travail d’échantillonnage et de réinterprétation d’archives par l’artiste.

Outre la richesse des discussions et des interprétations échangées lors des séances de visioconférence, nous avons pu constater que certain.e.s participant.e.s ont poursuivi la recherche par la suite et ont également pu tracer des liens entre des œuvres vues à différents moments du parcours ou dans d’autres contextes. Le travail de collage numérique et d’animation de Diane Obomsawin, exploré dans la première séance, a par exemple été rappelé par une participante lors du dernier atelier, lors de la découverte de la « sculpture scrollable » de Sarah L’Hérault, contenant elle-aussi animations et collages numériques. Quelques participant.e.s ont aussi mentionné avoir exploré le site web de Charles-Étienne Brochu suite au survol fait en groupe lors du deuxième atelier. Pour nous, ces traces d’engagement constituent à la fois le signe et le résultat de rencontres fécondes avec des œuvres.

Ayant toutefois réalisé que certaines œuvres étaient moins accessibles avec les outils alors à la disposition des jeunes, notamment en raison de l’obsolescence rapide des applications requises et des différences de performance de chaque appareil, nous estimons que des considérations logistiques, matérielles et technologiques doivent guider le choix des œuvres et des moyens de les faire vivre pleinement. Dans le cas de la dernière séance, par exemple, plusieurs participant.e.s ne sont pas parvenu.e.s à ouvrir le mini-site de Carol-Ann Belzil Normand pour des raisons technologiques. Les œuvres d’art web, les œuvres plus « lourdes » (requérant une vitesse rapide de transfert de données) ou avec des composantes sonores conçues pour certains navigateurs précis nécessitent une exploration de groupe bien planifiée, en s’assurant à l’avance que les outils et logiciels entre les mains des participant.e.s sont adéquats.

Une autre rencontre qui semble avoir pu se déployer dans le contexte de ce projet pilote est la rencontre avec la création numérique. Outre les réalisations des participant.e.s, parfois très élaborées, remplies d’humour et de créativité, nous estimons que la découverte de nouveaux outils et le niveau d’appropriation élevé (en très peu de temps!) de ces derniers témoignent des horizons créatifs ouverts par l’expérience. L’invitation à créer en animation image par image, suite au second atelier, a mené à des expérimentations très engagées, trois participantes d’un même groupe produisant des vidéos de plus d’une minute et mobilisant toutes sortes de dispositifs à partir d’objets du quotidien (ex. humidificateur pour générer de la fumée ou un tourne-disque pour créer un mouvement) pour créer des effets spéciaux. Suggérant elles et eux-mêmes d’autres outils appréciés, pour la manipulation d’images photographiques par exemple, les jeunes font preuve d’une utilisation critique et engagée de la multitude d’applications web et mobiles maintenant disponibles pour la création.

Cet usage non seulement créatif, mais artistique des nouvelles technologies nous semble confirmer le potentiel de rencontre avec la création qui se déploie dans l’espace numérique. Malgré un accompagnement limité de notre part et la grande diversité d’équipements informatiques utilisés, nous estimons que le choix de survoler un éventail d’outils numériques (sélectionnés précisément pour leur appropriation rapide) a ouvert plusieurs portes et était approprié dans le contexte de cette série de seulement quatre ateliers hebdomadaires, mais n’a peut-être pas permis d’aller très en profondeur dans la création. Par exemple, si la création en animation image par image proposé à la deuxième séance a été foisonnante, l’outil proposé pour la création suite à la troisième séance, un logiciel gratuit en ligne permettant de générer des environnements numériques en 3D, a mené à peu de réalisations partageables. Suivant leur retour, les participant.e.s semblent avoir pu s’approprier le fonctionnement de base de l’outil, mais ont eu de la difficulté à en exporter des captures d’écran et les enregistrer de manière à pouvoir les partager sur la plateforme Edmodo. D’autres approches pourront être expérimentées dans le futur, si le contexte des activités de médiation le rend pertinent.

Enfin, bien que la visioconférence structure les échanges et en limite la durée (notamment à cause du rythme, de l’attention requise, du formatage de la discussion que ce médium induit), nous pensons que la rencontre avec l’autre est l’une des belles possibilités offertes par ces activités en médiation virtuelle.

Avec des groupes de quatre ou cinq participant.e.s, où l’interaction coule plus naturellement, nous avons l’impression d’avoir assisté à l’émergence de petites communautés de réflexion et de partage, qui, bien que contrainte par des défis logistiques et technologiques liés au confinement, était appréciée à leur juste valeur dans le contexte d’isolement alors vécu. Un collage numérique réalisé par un participant suite au premier atelier, mettant en scène le directeur de la santé publique du Québec, Dr. Horacio Arruda, dont les pupilles et les paumes auraient été remplacées par des virions du SARS-CoV-2, aura fourni au groupe une soupape humoristique appréciée dans cette période difficile et aura généré un espace pour échanger sur l’impact de la pandémie sur nos vies. Pour nous, cet exemple témoigne du pouvoir de la création comme vecteur d’action, même dans un contexte social où un sentiment d’impuissance devient généralisé. Dans cette perspective, à l’écoute des commentaires très personnels et réflexifs émanant des jeunes dans la discussion des œuvres présentées, nous croyons que cet espace de partage et de découverte, créé dans la rencontre et la médiation virtuelle avec des œuvres d’art, peut générer des rencontres avec soi-même, d’une manière tout aussi engageante et sensible que dans l’espace physique d’une exposition du Musée ambulant.

Quelques remarques en conclusion

Imbriqué dans les dynamiques économiques propres au contexte sociopolitique et grandement fragilisé par la crise sanitaire, le milieu culturel québécois lutte, au moment d’écrire ces lignes, pour assurer sa survie. Investir l’espace numérique représente alors un moyen de rester présent, de garder une pertinence et de fournir une offre culturelle exigée par les bailleurs de fonds de la culture subventionnée. De nombreuses initiatives culturelles menées au printemps 2020, comme celle du Musée ambulant, découlent d’un réflexe de vouloir (ré)agir, de prendre parole, mais sont aussi sujettes à être guidées par le réflexe de continuer à produire en ces temps de décélération forcée, d’anxiété collective. Participant d’une logique à sens unique, la production d’une offre culturelle risque ainsi de devenir un objectif en soi, où la diffusion de produits culturels devient le principal enjeu du développement de projets numériques.

Mais pour les professionnel.le.s de la médiation culturelle, comme en faisait état les discussions entre médiatrices lors d’une rencontre virtuelle du Regroupement des médiateurs.trices culturel.le.s du Québec (rMcQ) tenue en avril 2020, les actions de médiation culturelle doivent éthiquement se développer pour le bénéfice du public (et du rayonnement des œuvres). Alors que le contexte du confinement nous pousse à expérimenter avec la médiation virtuelle et à en explorer de nouvelles possibilités, il ne faut pas perdre de vue l’objectif premier de notre pratique en médiation de l’art actuel qui est d’en ouvrir l’accès à toutes et tous, de servir à la construction de liens. Ainsi, ce qu’autorisent les nouveaux outils numériques et les technologies de l’information et de la communication doit d’abord et avant tout être l’ouverture d’espaces de rencontres, les plus fécondes et enrichissantes possible, entre l’art et ses publics. Cette notion de rencontres, multiples et interreliées, vient nourrir une conception de la médiation culturelle qui dépasse la simple mise en relation d’un public et d’une proposition artistique pour l’envisager comme une pratique de co-construction de liens qui inscrivent les œuvres comme des expériences sensibles, à la fois individuelles et collectives. En s’attardant à définir et évaluer la richesse des rencontres produites par les activités de médiation virtuelle de l’art numérique avec de petits groupes d’adolescent.e.s en confinement, ce projet pilote nous a permis d’approfondir notre conception de la médiation comme un espace de rencontre dynamique qui se tisse, en temps réel, aux seins de réseaux sociaux, matériels et technologiques.

Nous espérons donc que les apprentissages que nous avons pu faire au cours de ce projet pilote pourront être utiles à d’autres actrices et acteurs du milieu culturel qui souhaitent, comme nous, réfléchir et susciter les occasions que génère l’art de se rencontrer, à la fois dans le réconfort et le trouble qu’exige notre époque.

Reconnaissance

Les rédacteurs en chef invités remercient le Conseil de recherches en sciences humaines pour l’aide financière accordée.

Intérêts Concurrents

L’auteur n’a aucun intérêt concurrent à déclarer.

Les contributions de l’auteur

Éditorial

Rédacteurs en chef invités:

Marie-Claude Larouche, professeure titulaire, Département des sciences de l’éducation, co-directrice depuis 2018 du Laboratoire de recherche sur les publics de la culture (lrpc.ca), Université du Québec à Trois-Rivières, Canada.

Hervé Guay, professeure titulaire et directeur, Département de lettres et communication sociale, co-directeur de 2015 à 2021 du Laboratoire de recherche sur les publics de la culture (lrpc.ca), Université du Québec à Trois-Rivières, Canada.

Éditrice de section et Rédactrice en chef

Justine Dubrule, The Journal Incubator, Université de Lethbridge, Canada.

Rédactrice du texte

Émilie Rouillard-Beauchesne, The Journal Incubator, Université de Montréal, Canada

Redactrice de la bibliographie

Christa Avram, The Journal Incubator, Université de Lethbridge, Canada